Lección de música “Temas eternos en el arte”
7mo grado 26/01/2015
Tema del 2º semestre del año: “Compositor y tiempo”. Módulo: “Dramaturgia musical”.
El propósito de la lección. : a través de la música, transmite pensamientos profundos, dolor por el sufrimiento inconmensurable de las personas, revela la lucha entre dos principios: el bien y el mal.
Tareas:
Educativo: familiarizarse con la historia de la Gran Guerra Patria, aprender sobre el asedio de Leningrado y sus consecuencias; Reproducir la imagen de la guerra en las obras de Shostakovich.
Educativo: inculcar en los niños sentimientos de patriotismo y amor por la Patria; para formar una capacidad de respuesta emocional a las obras musicales.
De desarrollo : desarrollar la capacidad de navegar en un mapa, trabajar con fuentes; desarrollo de una cultura de la escucha, desarrollo del gusto musical y estético.
tipo de lección : aprender material nuevo.
Formato de lección: Lección integrada de música e historia utilizando las TIC.
Lección desarrollada usando tecnología.un enfoque integrado de la formación y el desarrollo.
Métodos:
Método de organización de actividades educativas.
Análisis de una situación específica.
Método de comprensión del estilo de entonación.
Método de control y autocontrol.
Método de inmersión
Interacción interactiva :
Aplicación de tecnologías informáticas (secuencias de videos, diapositivas)
Los estudiantes trabajan en microgrupos.
Material musical :
D.D. Shostakóvich. Séptima sinfonía. “Leningradskaya” 1 parte “Episodio de invasión”
Equipo :
computadora;
proyector (televisor)
presentación;
poesía;
Repartir;
diccionario de emociones;
durante las clases
I. Momento organizacional
II. Aprendiendo un nuevo tema
Epígrafe: "Hágase la luz"
en tu ventana!
(70 aniversario de la Gran Victoria
dedicado)
Maestro: - La vida, la muerte, la inmortalidad son los temas eternos de la cultura espiritual de la humanidad en todas sus divisiones. En ellos pensaron profetas y fundadores de religiones, filósofos y moralistas, figuras del arte y la literatura, profesores y médicos. La vida y la muerte, la luz y las tinieblas, la lucha entre las fuerzas de la luz y las tinieblas, la guerra y la paz son dos entidades opuestas, dos conceptos absolutamente incompatibles entre sí. Los destinos, las acciones, los escenarios, las emociones de las personas: todo en ellos es absolutamente opuesto. Todo esto constituye el círculo de los temas eternos del arte. En la música, como en la vida, también hay temas eternos.
Chicos, piensen en las oposiciones que pueden nombrar relacionadas con la imagen de estos mundos diferentes:
Por ejemplo, el mundo de la creación, el mundo de la creatividad: el mundo del colapso, el mundo de la destrucción, el bien y el mal.
Respuestas de los niños:
Saciedad-hambre;
Victoria-derrota;
Amor-odio;
Valentía-miedo yhazaña en nombre de la humanidad
Las obras que reflejan “temas eternos” están destinadas a tener una larga vida. Continúan excitando las mentes, encontrando cada vez más encarnaciones nuevas en el teatro, las bellas artes y la música.
El tema "Guerra y paz" es uno de los temas eternos del arte. La gente empezó a luchar en la Edad de Piedra y todavía no puede parar. ¡Se han registrado y descrito más de 15 mil guerras en la historia de la humanidad!
Maestro: ¿Qué podría ser más terrible que la guerra? Ella sólo trae lágrimas y sufrimiento...
Sabemos mucho sobre la guerra, hemos oído mucho sobre ella, porque la Gran Guerra Patria llegó a todos los hogares. Uno de los pueblos más terribles y trágicos de la historia fue la defensa de Leningrado.
III. Aprendiendo nuevo material
Maestro: - Chicos, ¿qué creen que determinó la elección del material para la lección de hoy? ¿Qué fecha nos espera literalmente mañana?
¿Cuál será el propósito de nuestra lección?Revelar la lucha entre dos principios: el bien y el mal, la guerra y la paz, transmitir reflexiones profundas y dolor sobre el sufrimiento inconmensurable de las personas a través de la música.
Maestro: Y lo haremos utilizando el ejemplo de la Sinfonía de Leningrado de D. D. Shostakovich.
Antes de empezar a hablar de esta obra, recordemos ¿qué es una Sinfonía?
¿Cómo se construye una sinfonía?
¿Cuál es la base del primer movimiento de una sinfonía clásica (forma sonata)?
(en la pizarra, dibuje un diagrama de la estructura de 1 parte de la forma de sonata).
¿Cuál es la imagen musical en la obra?
¿Qué es la dramaturgia musical?
Ejercicio : mientras escuchas la sinfonía, caracteriza la música utilizando tus diccionarios de emociones (trabajar en microgrupos). Trabajamos a medida que avanza la lección.
Maestro: Para introducirnos en el tema invito a un Historiador y Crítico de Arte.
Historiador 1:
En junio de 1941, la Alemania nazi invadió la Unión Soviética y Leningrado pronto se encontró bajo un asedio que duró 18 meses y provocó innumerables penurias y muertes. Además de los muertos en el bombardeo, más de 600.000 ciudadanos soviéticos murieron de hambre. Muchos se congelaron o murieron por falta de atención médica; el número de víctimas del asedio se estima en casi un millón.
crítico de arte 1 :
Pero, a pesar de toda la gravedad de esta época, la muerte, el hambre, el miedo, la gente no perdió la capacidad de pensar, soñar, creer, esperar, crear y componer. Y un ejemplo sorprendente de esto es la personalidad del gran compositor ruso D.D. Shostakóvich. Su Séptima Sinfonía, llamada “Leningrado”, es una de las obras musicales más destacadas de la Gran Guerra Patria. Una parte importante de la sinfonía fue creada por el compositor en el otoño de 1941 en Leningrado, durante los días de la lucha mortal con el enemigo. Lo escribió en una casa que era sacudida casi a cada minuto por explosiones. Shostakovich dijo más tarde: “Miré a mi amada ciudad con dolor y orgullo. Y él estaba allí, abrasado por los incendios, endurecido por la batalla, habiendo experimentado el profundo sufrimiento de un luchador, y era aún más hermoso en su severa grandeza. ¿Cómo no amar esta ciudad construida por Pedro y no contarle al mundo entero su gloria, el coraje de sus defensores... Mi arma era la música?
Maestro : Hoy tenemos una oportunidad única de escuchar al propio D. D. Shostakovich. Escuchemos lo que tiene que decir sobre su trabajo.
Vídeo nº 1. Película sobre Shostakóvich
Maestro: La séptima sinfonía consta de 4 movimientos, pero el primero es el más significativo. El propio D. D. Shostakovich escribió esto: "La primera parte cuenta cómo una fuerza formidable irrumpió en nuestra hermosa vida pacífica: la guerra".
Primera parte Comienza con una melodía épica amplia y cantarina. Encarna la imagen de la Patria. Se desarrolla, crece y se llena de cada vez más poder. Lote lateral también parecido a una canción. Es como una canción de cuna tranquila. Su melodía parece disolverse en el silencio. Todo respira la calma de la vida pacífica.
Pero entonces, desde algún lugar lejano, se escucha el ritmo de un tambor y luego aparece una melodía: primitiva, similar a las coplas, una expresión de la vida cotidiana y la vulgaridad. Son como marionetas moviéndose. .
Al principio el sonido parece inofensivo. Pero el tema se repite 11 veces., intensificándose cada vez más. Su melodía no cambia, solo gradualmente adquiere el sonido de cada vez más instrumentos nuevos, convirtiéndose en poderosos complejos de acordes. Entonces, este tema, que al principio no parecía amenazador, sino estúpido y vulgar, se convierte en un monstruo colosal: una máquina trituradora de destrucción. Parece que aplastará a todos los seres vivos a su paso.
El escritor A. Tolstoi llamó a esta música "la danza de las ratas eruditas al son del flautista de Hamelín". Parece que las ratas eruditas, obedientes a la voluntad del cazador de ratas, entran en la batalla. Este es el famoso episodio de la invasión fascista: "Episodio de la invasión", una imagen impresionante de la invasión de la fuerza destructiva.
Escucharemos ahora un fragmento de la sinfonía.Documental Nos ayudará a imaginar la imagen de esa época, las condiciones en las que se creó la sinfonía, la actitud que se apoderó de la gente de la sitiada Leningrado.
Suena un fragmento de la parte 1. Video. No. 2
Profesor de música: Una palabra del historiador
Historiador#2
- Las sinfonías del compositor son un monumento único a la historia de la humanidad. El 27 de diciembre de 1941 se completó la sinfonía. El estreno tuvo lugar en Kuibyshev, interpretado por la Orquesta del Teatro Bolshoi bajo la dirección de S. Samosud. Después de esto, la sinfonía se presentó en Moscú y Novosibirsk. Pero recién el 9 de agosto de 1942, en la sitiada Leningrado, tuvo lugar la famosa interpretación de la Séptima Sinfonía (“Leningrado”) de Dmitry Shostakovich. El organizador y director fue Karl Ilyich Eliasberg, director titular de la Orquesta de Radio de Leningrado. Las autoridades insistieron en un estreno urgente. Después de todo, el autor dedicó la sinfonía a la hazaña de su ciudad natal. Se le dio importancia política. Se reunieron músicos de todas partes para interpretarlo. Muchos de ellos estaban agotados. Antes de empezar los ensayos, tuvimos que internarlos en el hospital, alimentarlos y tratarlos. El día en que se interpretó la sinfonía, ni un solo proyectil enemigo cayó sobre la ciudad: por orden del comandante del Frente de Leningrado, el mariscal Govorov, todos los puntos enemigos fueron suprimidos de antemano. Los cañones callaron mientras sonaba la música de Shostakovich. Fue escuchado no solo por los residentes de la ciudad, sino también por las tropas alemanas que asediaban Leningrado. Dicen que los alemanes, al escuchar los sonidos de la sinfonía de Leningrado a través de los altavoces, simplemente quedaron desconcertados: estaban absolutamente seguros de que la ciudad estaba muerta. Muchos años después de la guerra, los alemanes dijeron: “Entonces, el 9 de agosto de 1942, nos dimos cuenta de que perderíamos la guerra. Sentimos tu fuerza, capaz de vencer el hambre, el miedo y hasta la muerte..."
A partir de su actuación en la sitiada Leningrado, la sinfonía tuvo una enorme importancia propagandística y política para las autoridades soviéticas y rusas.
IV. Consolidación
El 27 de enero de 1944, Leningrado saludó con 24 salvas de 324 cañones en honor a la eliminación completa del bloqueo enemigo: la derrota de los alemanes cerca de Leningrado.
- Perdiste la guerra, verdugo,
¡Apenas puse mi mano en la ciudad!
¿Cuál es la verdad ahora?
que tormenta paso
como un sueño frenético,
¡Qué ilusión de orgullo parecía!
Así que deja que el mundo escuche hoy
Retumban los fuegos artificiales rusos.
¡Sí, se venga, se regocija, respira!
¡Leningrado victorioso!
27 de enero de 1944, Olga Berggolts
08.08.08. Al comienzo de la lección hablamos de la guerra y la paz, de cómo la humanidad no puede dejar de luchar entre sí. El 21 de agosto de 2008, la orquesta del Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev interpretó un fragmento de la primera parte de la sinfonía en la ciudad de Tskhinvali, en Osetia del Sur, destruida por las tropas georgianas.
Vídeo nº 3 Valery Gergiev
- ¿Por qué Gergiev eligió la Sinfónica de Leningrado para la ciudad herida?
- “Esta sinfonía es un recordatorio al mundo de que el horror del asedio y bombardeo de Leningrado no debe repetirse...” (V. A. Gergiev)
Tarea: escribir un ensayo “Explicaste la música con palabras”
El profesor lee a modo de ejemplo las líneas más interesantes de los ensayos de antiguos alumnos.
Maestro: Aquellos que nacieron después de la guerra ya no pueden entender mucho y no pueden sobrevivir a lo que experimentó la generación de la guerra. Sólo puedes escuchar las historias de aquellos que sobrevivieron, e intentar sentir lo que vivieron y guardarlo en la memoria... Y rendir homenaje al respeto eterno y al agradecimiento eterno.
Canción "Que haya luz en tu ventana"
Fotos de veteranos. Presentación
Calificación. Resumiendo.
Trabajar en microgrupos mediante tarjetas:
Oposiciones:
El hombre es un bárbaro.
Bienvenido -
Mundo -
Creación -
Avivamiento -
Victoria -
Conflicto -
Colisión -
Lucha -
El mundo de la creatividad de la mente: el mundo de la destrucción y la crueldad.
Preguntas:
¿Qué imagen crea la música?______________________________________________________________
¿Qué imaginaste escuchándola?________________________________________________
¿Cómo suena ella al comienzo del episodio? ___________________________________________________
¿Cuántas imágenes musicales?_________________________________________________
¿Cuál es la importancia del ritmo?________________________________________________________
¿Qué medios de expresividad se utilizan para desarrollar la invasión?_________________________________________________________________________
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El concepto de “arte” es conocido por todos. Nos rodea a lo largo de nuestra vida. El arte juega un papel importante en el desarrollo de la humanidad. Apareció mucho antes de la creación de la escritura. En nuestro artículo puede obtener información sobre el rol y las tareas.
¿Que es arte? información general
El concepto de "arte" es bastante multifacético. Generalmente se refiere a una rama de la actividad humana que puede satisfacer una necesidad espiritual, a saber, el amor por la belleza. El arte es una forma especial de conciencia social. Es precisamente esto lo que representa el reflejo artístico de la vida humana. Gracias a él, podrás conocer cómo vivía la gente en diferentes épocas.
El primer autor que reveló el concepto de “arte” fue Charles Bateau. Creó todo un tratado en el que clasificó esta rama de la actividad humana. Su libro Las bellas artes reducidas a un solo principio se publicó en 1746. Charles Bateau cree que se pueden definir según varios criterios. El autor está seguro de que el arte produce placer y además es de naturaleza espiritual, no física.
El concepto de “arte” incluye pintura, música, poesía, arquitectura y mucho más con lo que nos encontramos todos los días. Cualquier tipo de actividad artística tiene ciertas cualidades positivas. Cada esfera del arte tiene una manera especial de reproducir la realidad y las tareas artísticas. Todos los tipos de actividad artística se dividen en tipos y géneros.
El arte suele dividirse en tres grupos:
- tónica (música y poesía);
- figurativo (arquitectura, pintura y escultura);
- mixto (coreografía, actuación, oratoria y otros).
Hay varios tipos de arte:
- espacial, en el que, gracias a la construcción, se revela una imagen visible (escultura, arquitectura);
- temporal, en el que la composición que se desarrolla en tiempo real (poesía, música) adquiere significado;
- espacio-temporal: arte del entretenimiento (circo, cine, coreografía).
Artes graficas
El arte gráfico es un tipo que incluye dibujos y gráficos impresos de imágenes (grabado, minotopía, etc.). Sus medios de expresión son el contorno, el trazo, el fondo y la mancha. Se sabe que esta es la forma más popular de bellas artes. En su contenido y forma, los gráficos tienen mucho en común con la pintura.
El grabado es un tipo de gráfica en la que el dibujo es una impresión impresa. Se aplica con un grabador especial. El grabado se puede realizar sobre metal, madera y linóleo.
Otro tipo popular de gráficos es un método especial de impresión plana, en el que la superficie de una piedra sirve como plancha de impresión. Este tipo fue inventado en 1798. La imagen se aplica a la piedra con una tinta especial o un lápiz.
El arte de la gráfica es el más antiguo de todos los existentes. Las primeras imágenes existen del Neolítico y de la Edad del Bronce. Nuestros antepasados grabaron diseños en las paredes de las cuevas y en las rocas. Después de un tiempo, las imágenes se aplicaron a armas y artículos del hogar. Después de que apareció la escritura, los gráficos se utilizaron en el diseño de cartas, libros y cartas.
Los métodos para copiar diseños fueron desconocidos durante muchos años. Es por eso que todas las imágenes fueron creadas en una sola copia. No es ningún secreto que hoy en día estos dibujos gráficos tienen una gran demanda entre los coleccionistas.
A mediados del siglo XX, los especialistas comenzaron a desarrollar técnicas gráficas en blanco y negro. Se crearon más de 20 opciones de texturas gráficas. Se publicaron manuales de formación. Hoy la gráfica ocupa un lugar destacado en el arte.
bento
Bento es un arte inusual para niños y adultos. No es ningún secreto que muchos padres no saben cómo enseñar a sus hijos a comer sano. Hoy en día, en los estantes de las tiendas hay una gran selección de alimentos poco saludables e incluso peligrosos. Un nuevo tipo de arte puede venir al rescate: el bento. Apareció en China. Este es el término que usan los chinos para describir los alimentos que empacan en cajas especiales y se llevan a la escuela o al trabajo. Un bento es una obra de arte que puedes comer. Amas de casa y chefs talentosos crean figuras y pequeños cuadros a partir de alimentos. La principal diferencia entre estos alimentos es el equilibrio y la presencia de una gran cantidad de vitaminas. Los chinos crean obras de arte comestibles únicamente a partir de alimentos saludables.
Bento es un arte para niños y adultos, gracias al cual el niño estará feliz de comer alimentos saludables. En nuestro país aún no es tan popular, pero ya se conocen varios maestros que dominan esta técnica.
La influencia del arte en la conciencia y la vida de un niño. ¿Cómo explicar las obras de arte modernas a un niño?
El arte juega un papel importante en la vida de un niño y en el desarrollo de su personalidad. Hoy en día, absolutamente todas las personas deberían tener al menos conocimientos básicos sobre tal o cual campo de actividad. La sociedad se está desarrollando rápidamente y, por lo tanto, cada personalidad debe ser multifacética. Muchos padres modernos intentan inculcar en sus hijos el amor por el arte lo antes posible. Para ello se han desarrollado un número considerable de métodos de crianza que pueden utilizarse desde los primeros meses de vida del niño.
El niño adquiere una comprensión de los tipos de arte en la escuela. Normalmente, los padres, profesores y educadores prestan mucha atención a la escritura, la lectura, el conteo y otras materias de las que es responsable el hemisferio izquierdo del cerebro. Para desarrollar el derecho, deberá dedicarse a la música, el baile y otros tipos de artes. Es importante desarrollar ambos hemisferios del cerebro para luego convertirse en una personalidad completamente formada.
Gracias a dominar el arte en un niño:
- se forma la personalidad;
- aumenta el nivel de potencial intelectual;
- se forman pautas morales;
- se desarrolla la capacidad del pensamiento creativo;
- aparece la confianza en uno mismo y aumenta la autoestima;
- se desarrolla la memoria y la atención;
- los horizontes se expanden.
Para familiarizar a un niño con el arte, en primer lugar es importante organizar un área en la que se almacenarán todos los materiales necesarios para la actividad creativa. Necesitarás tener varios libros sobre arte en casa. Desde la primera infancia, el niño necesita leerlos. Es importante discutir todo lo que has aprendido. Para familiarizarse con el arte, deberá visitar museos, galerías, teatros y exposiciones con su hijo al menos una vez al mes. Bajo ningún concepto se deben tirar a la basura los dibujos, aplicaciones y manualidades creadas por niños. Gracias a ellos podrás ver el crecimiento creativo del niño. También es importante inscribirlo lo antes posible en un club temático, actividades que le gusten.
Algunas obras de arte moderno desconciertan no solo a los niños, sino también a los adultos. No es raro que un niño u otro no comprenda la arquitectura diseñada por los modernistas. Es importante explicarle al alumno que cualquier obra de arte es una etapa importante en el desarrollo de la humanidad.
Las pinturas abstractas plantean muchas preguntas en los niños. Existe una cantidad considerable de publicaciones especiales gracias a las cuales los padres pueden mostrarle a sus hijos lo difícil que es crear una obra de arte así. Uno de ellos es "Kandinsky para sí mismo".
Los niños a menudo se preguntan si se puede comparar el arte moderno y el primitivo. Puedes descubrir esto y mucho más en nuestro artículo.
Arte. La historia de su desarrollo en Rusia.
Se conocen una gran cantidad de tipos diferentes de arte. Cada uno de ellos tiene sus propias características y ventajas. Casi todo el mundo sabe qué son las bellas artes. Los niños lo conocen a una edad temprana.
Se trata de un tipo de actividad artística gracias a la cual un maestro puede, utilizando medios especiales, reproducir el mundo que le rodea. Su historia en Rusia se divide en dos períodos, cuya frontera estuvo marcada por las reformas de Pedro. B estaba estrechamente relacionado con la veneración de iconos. Los iconos tenían su propio estilo artístico único. El propósito de tales obras de arte es mostrar compostura en oración y paz en la comunicación con Dios. Esto es precisamente lo que explica la presencia de determinados medios artísticos en los iconos. Con el tiempo, los maestros dominaron y se abrieron escuelas de pintura de iconos. La obra más famosa es "Trinidad" de A. Rublev. Los iconos de los siglos XV y XVI se distinguen por la armonía de colores.
En el siglo XVII, los iconos de la "escritura Fryazh" eran populares. Se caracterizan por elementos de la pintura de Europa occidental, a saber, pinturas al óleo, una apariencia de modelado de luces y sombras y representaciones precisas de las personas y la naturaleza. El interés por el icono como obra de arte surgió recién en el siglo XIX.
La antigua escultura rusa existía en forma de tallas de piedra y madera. Muy a menudo, los maestros representaban imágenes de santos. Se prestó especial atención al rostro. En los siglos XVIII y XIX hubo demanda de escultores y pintores de otros países. Después de un tiempo, los artesanos domésticos se hicieron populares.
En el siglo XVIII adquirió mayor popularidad. Se caracteriza por el rigor del diseño, la convención del color y el uso de escenas de la Biblia y la mitología. Así, poco a poco fue surgiendo el arte nacional.
En 1860-1880 se abrieron las primeras galerías y los maestros nacionales se hicieron famosos en todo el mundo. Poco a poco están surgiendo nuevas direcciones. Cada uno de ellos ocupó un lugar importante en la formación del patrimonio cultural. En los siglos XVIII y XIX, la humanidad no sólo sabía qué eran las bellas artes, sino que también las utilizaba activamente.
Temas explorados en el arte.
Sorprendentemente, todos los temas y problemas que los maestros revelan en sus obras de arte han sido relevantes durante muchos siglos. Los antiguos romanos argumentaban que el arte, a diferencia de la vida humana, es eterno. Esto no es una coincidencia. Los temas del arte resaltan problemas sociales que se encuentran a menudo en la actualidad. Por eso son de gran valor para la humanidad. Los maestros suelen revelar en sus obras el tema del amor, la naturaleza y la amistad.
Con el tiempo, las tendencias en el arte cambian y aparecen nuevos maestros, pero los temas y las imágenes permanecen sin cambios. Es por eso que cualquier trabajo sigue siendo relevante durante muchos años.
El arte y su papel.
El papel del arte en la vida de la sociedad es invaluable. Se basa en un reflejo artístico y figurativo de la realidad. El arte da forma a la apariencia espiritual de las personas, sus sentimientos, pensamientos y cosmovisión. La recreación figurativa de la realidad crea nuestra personalidad. El arte te ayuda a desarrollarte y mejorar. Y también para conocer el mundo que te rodea y a ti mismo.
El arte es patrimonio cultural. Gracias a las obras de arte se puede conocer cómo vivía la gente en un momento u otro. Recientemente, varias técnicas artísticas se han vuelto especialmente populares. A través del arte puedes aprender a controlarte. Al crear un objeto artístico, podrás olvidarte de los problemas y deshacerte de la depresión.
El arte y sus tareas.
Maxim Gorky creía que las tareas del arte radican en la evaluación moral y estética de todos los fenómenos importantes. El escritor dijo que gracias a esto puedes aprender a entenderte a ti mismo, luchar contra la vulgaridad, poder comprender a las personas y encontrar algo bueno en ellas. Hoy se conocen tres funciones de la actividad artística. Los objetivos del arte son la investigación, el periodismo y la educación. Los maestros creen que la función de la actividad artística es llevar belleza al alma y al corazón de las personas. Nikolai Vasilyevich Gogol argumentó que la tarea del arte es representar la realidad.
Arte moderno y primitivo.
Mucha gente está interesada en esto. A primera vista, esto es imposible. Sin embargo, no lo es. Si percibimos el arte como una forma de autoexpresión personal, entonces tanto lo moderno como lo primitivo están en el mismo plano. Al compararlos, puedes entender cómo ha cambiado la percepción de una persona.
El pensamiento humano se ha vuelto más abstracto. Esto indica el desarrollo activo de la inteligencia. Con el tiempo, el hombre ha cambiado sus prioridades y hoy percibe la vida de manera diferente a sus ancestros primitivos. Anteriormente, los maestros se interesaban por la apariencia del objeto y su forma, pero ahora las emociones juegan un papel importante en las obras. Esta distinción existe desde finales del siglo XIX.
Resumámoslo
Es importante desarrollar no sólo el hemisferio izquierdo del cerebro, sino también el derecho desde una edad temprana. Para hacer esto necesitas practicar el arte. Es especialmente importante prestar la debida atención al desarrollo creativo del niño. Recomendamos encarecidamente hacer esto desde los primeros años de su vida. No todo el mundo comprende el papel, las tareas y los tipos de arte. La información brevemente descrita en nuestro artículo le permitirá adquirir conocimientos básicos sobre diversos campos de actividad artística.
De vuelta atras
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Objetivos: Demostrar que el amor, la belleza de los sentimientos y las relaciones humanas es uno de los temas principales en diversos tipos de arte de todos los tiempos y épocas.
Tareas:
- Hable sobre obras maestras musicales de varios géneros, creadas sobre la base de una obra literaria de W. Shakespeare "Romeo y Julieta".
- Consolidar conocimientos teóricos sobre la obertura y el ballet utilizando ejemplos de la música de P.I. Tchaikovsky y S.S. Prokófiev.
Durante las clases.
Diapositiva número 1. (título)
Maestro:
El tema del amor siempre ha atraído a los artistas. El mundo conoce muchas historias literarias y poéticas sobre el amor, obras maestras musicales y pinturas de grandes artistas. Hoy en nuestra clase interpretaremos obras musicales de varios géneros y épocas, pero todas están creadas sobre la base de una creación literaria de W. Shakespeare: "Romeo y Julieta".
Diapositiva número 2.
Shakespeare (1564-1616) cantó en poesía la historia de un joven y una muchacha de Verona. Su creación es una obra maestra reconocida internacionalmente. Gracias a Shakespeare, los nombres de Romeo y Julieta son tan conocidos por todos y se han convertido en un símbolo del amor verdadero.
Diapositiva número 3.
No es fácil para los corazones amantes defender en todo momento su elección contra la inercia humana, la beligerancia y todo tipo de desigualdades. Pero el amor no conoce fronteras ni restricciones. La trama de "Romeo y Julieta" es uno de los ejemplos de amor que murió en las condiciones de esa época.
Diapositiva No. 4 (el texto de la declaración se expande automáticamente)
La tragedia de Shakespeare le dio a Verona la gloria de la ciudad de Romeo y Julieta. Los habitantes de esta famosa ciudad dicen:
“Aquí con nosotros, el amor está en el aire, y si tienes sangre caliente, un corazón tierno e incluso un poco de imaginación, camina por el callejón más oscuro y estrecho, y seguramente encontrarás allí dos fantasmas encantadores, que han sido vagando por Verona durante siglos: ¡Romeo y Julieta!
Diapositiva número 5.
Y por eso Verona siempre estará llena de románticos y enamorados de todo el mundo, que buscan y encuentran aquí lugares asociados a la eterna leyenda del amor.
No es de extrañar que una historia tan bella y triste tuviera continuidad en otros géneros artísticos: música sinfónica y de ballet, ópera, teatro, cine, musicales.
Diapositiva número 6.
La famosa obertura fantástica “Romeo y Julieta” de P.I. Tchaikovsky es el primer llamamiento del compositor a la herencia creativa del gran dramaturgo inglés.
Recordemos lo que se llama obertura en la música.
Niños:
Introducción orquestal a la ópera, ballet, cine. En ocasiones es un trabajo independiente y tiene título de programa.
Diapositiva número 7.
La idea de crear una obra sinfónica fue sugerida por el compositor Balakirev. La trama se convirtió en una trama para Tchaikovsky por el resto de su vida. Las mejores orquestas del mundo incluyen esta obra en sus programas de conciertos. Tchaikovsky revisó la obertura tres veces. Es en la última edición que es bien conocido hoy.
La música de la obertura se basa en temas que personifican las principales imágenes y colisiones de la tragedia de Shakespeare.
Diapositiva número 8 (el fragmento de video comienza automáticamente)
Tema de pelea: un loco ataque de ira y odio. Sonarán golpes cortos de espadas, los sonidos alarmantes y enérgicos de una pelea callejera entre los indomables Montescos y Capuletos, cuya discordia y venganza mutua convertirán las tranquilas calles de Verona en un sangriento campo de batalla.
Diapositiva número 9 (el fragmento de video comienza automáticamente)
Canción de amor: Del silencio sensible nace el tema del amor. Contiene tanta plenitud de ternura, tanta languidez y dicha... una melodía brillante y que se extiende por todas partes. Un movimiento suave, casi arrullador, sonidos susurrantes del cuerno, y la melodía crece, se vuelve más vivaz y dulce.
Y tras la muerte de los héroes, tras el grito de desesperación, en la voz aguda e iluminada de los violines resuena el tema del amor de Romeo y Julieta.
Diapositiva No. 10 (el texto de la declaración se expande automáticamente)
El tema del amor fue especialmente admirado por N.A. Rimsky-Korsakov, escribió: "¡Qué inspiración! ¡Qué belleza inexplicable, qué pasión ardiente! ¡Este es uno de los mejores temas de toda la música rusa!"
En vida del compositor, la obertura Romeo y Julieta gozó de un gran éxito tanto de público como de crítica. Como una de las composiciones más famosas y queridas de Tchaikovsky, esta obertura se interpretó en conciertos conmemorativos de Tchaikovsky después de su prematura muerte.
Diapositiva número 11 (el fragmento de video comienza automáticamente)
En septiembre de 1935, Sergei Prokofiev (1891-1953) completó su trabajo sobre la música para el ballet Romeo y Julieta. Este trabajo es reconocido como brillante y muy popular en todo el mundo.
Ballet en tres actos, trece escenas, con prólogo y epílogo. En el papel de Julieta - Galina Ulanova; Romeo - Konstantin Sergeev.
Recordemos los rasgos característicos del género del ballet en la música.
Niños:
El ballet es una representación teatral donde los personajes expresan todo a través del canto. Para el ballet se confeccionan decorados y se cosen disfraces. El ballet es interpretado por una orquesta sinfónica bajo la dirección de un director.
Diapositiva No. 12 (el texto de la memoria se expande automáticamente)
Juliet tuvo un papel especial en la vida de Galina Ulanova. Ella recordó: “Durante mucho tiempo no pude empezar a preparar el papel de Julieta con ninguno de mis alumnos. Decirle adiós es lo mismo que despedirse de una persona viva. Una vez que estuve en Italia, nos llevaron a Verona. En Verona me paré frente al balcón de Julieta, en el monumento que hay encima de la cripta. Y aquí, en la cripta de Julieta, sentí que nunca más volvería a bailar, fue muy triste. Fue como si me hubiera pasado algo... Ya era de noche cuando llamé a Katya Maksimova: mañana empezamos a ensayar a Julieta”.
Diapositiva número 13 (el fragmento de video comienza automáticamente)
La imagen de la heroína de Shakespeare es quizás el color más brillante y penetrante de la paleta creativa de la bailarina Ulanova. En San Petersburgo, en el Callejón de los Héroes del Parque de la Victoria, se instaló un busto de bronce que representa al artista en el famoso papel.
Diapositiva número 14.
Más tarde, en esta producción actuaron muchas bailarinas famosas: Raisa Struchkova, Marina Kondratyeva, Maya Plisetskaya, Natalia Bessmertnova, Ekaterina Maksimova, Valentina Kozlova. Hay dos versiones cinematográficas famosas del ballet de Prokofiev. La música del ballet de Prokofiev transmite los movimientos psicológicos más sutiles del alma humana, la riqueza del pensamiento, la pasión y el drama de Shakespeare. Prokofiev logró recrear los personajes de Shakespeare en el ballet en su diversidad y plenitud, profunda poesía y vitalidad.
Diapositiva número 15 (el fragmento de video comienza automáticamente)
El humor y la picardía de Julieta son las niñas y la sencillez de la Enfermera.
Diapositiva número 16 (el fragmento de video comienza automáticamente)
La sabiduría del Pater Lorenzo.
Diapositiva número 17 (el fragmento de video comienza automáticamente)
El color festivo y exuberante de las calles italianas.
Diapositiva número 18 (el fragmento de video comienza automáticamente)
Poesía de amor de Romeo y Julieta.
Diapositiva número 19 (el fragmento de video comienza automáticamente)
Y también el drama de las escenas de muerte: todo esto lo encarna Prokofiev con habilidad y enorme poder expresivo. Recurrir a Shakespeare fue un paso audaz para la coreografía soviética, ya que, según todos los indicios, se creía que la encarnación de temas filosóficos y dramáticos tan complejos era imposible a través del ballet. Prokofiev, mostrando innovación, demostró lo contrario.
Diapositiva número 20.
Sería extraño que la famosa historia de Shakespeare no se reflejara en la forma de arte más popular: el cine. Existen varias versiones cinematográficas de Romeo y Julieta. Pero quizás la película más popular "Romeo y Julieta" sea la del director italiano Franco Zeffirelli, estrenada en 1968. Los papeles principales fueron interpretados por actores muy jóvenes: Olivia Hussey y Leonard Whiting. La película de Franco Zeffirelli presenta la hermosa música del compositor Nino Rota, famoso en el campo de la música cinematográfica por su creatividad inimitable. Uno de los conservatorios de Italia lleva su nombre. Colaboró con muchos directores. En 1974, Rota recibió un Oscar a la mejor música por la película “El Padrino” y escribió música para todas las películas de Federico Fellini.
Diapositiva número 21 (los fragmentos de video de la película comienzan automáticamente)
El motivo más famoso de la película "Romeo y Julieta" fue el tema del amor; varía a lo largo de la película y acompaña todas las escenas principales de Romeo y Julieta. Armoniosamente entrelazada con la narrativa cinematográfica, la música actúa como narradora. Esta música es reconocida como clásica e incluso se ha convertido en una especie de tarjeta de presentación musical de Romeo y Julieta. En el año del estreno de la película, la canción "What is a Youth" ocupó el primer lugar en popularidad, desplazando incluso los éxitos de los Beatles. Los arreglos de esta canción han entrado en el repertorio de muchos cantantes y orquestas. La última edición incluye música de Nino Rota interpretada por la Orquesta Filarmónica de Praga.
Quiero terminar mi historia con palabras de la canción:
¡La tribu despreocupada del primer amor!
En una vieja obra, donde hay veneno y un puñal.
Se está llevando a cabo una acción irreparable.
Dios, sálvame y protégeme de los desastres.
Fieles esclavos del amor.
Temas eternos del arte y la vida.
Objetivo: a través de la comunicación con diferentes obras de arte, intentar comprender que el lenguaje del arte no cambia con el tiempo y que se basa en valores espirituales desarrollados por la humanidad.
Tareas:
desarrollo de una actitud emocional y consciente hacia las obras de arte de diversas épocas y movimientos;
a través del “sondeo” de imágenes artísticas, aprender a comprender cómo un artista se convierte en cronista de su época, reflejando su pulso;
desarrollar en los estudiantes la capacidad de analizar, sintetizar y reflexionar a partir del material de la lección (música de J. S. Bach, reproducciones de pinturas, interpretación figurativa de las canciones “Golden City”, “Candles”);
aprenda a expresar su actitud hacia los valores eternos desarrollados por la humanidad;
ampliar los horizontes culturales y artísticos de los estudiantes a través del conocimiento de la música y la pintura.XVIII-XX siglos
Forma de lección: lección de reflexión.
Equipo: retratos de J. S. Bach, B. Grebenshchikov, F. da Milano, vela, fotografías del órgano, llama de vela, reproducciones de pinturas (T. Gainsborough “Lady in Blue”, A. Venetsianov “At the Harvest”, B. Kustodiev "La esposa del comerciante tomando el té"), tablero interactivo.
guión de la lección
“Las ideas cambian, pero el corazón sigue siendo el mismo”.
F. M. Dostoievski
1. momento organizacional
Saludo a los estudiantes. Preparándose para trabajar.
– Hoy tenemos una lección inusual: una lección de reflexión. ¿En qué pensaremos? Que nos ayude el dicho “Las ideas cambian, pero el corazón sigue siendo el mismo”, del escritor rusoXIXsiglo a F. M. Dostoievski.(La declaración y el retrato del escritor están en la pantalla de la pizarra interactiva). ¿Cómo entiendes estas palabras? (respuestas de los niños)
– De hecho, pasan los años, pasan épocas enteras, cambian generaciones de personas, pero permanecen sentimientos de bondad, esperanza y fe que ayudan en tiempos difíciles. Y no importa cuándo vivió el artista: hace muchos años o hoy. Si es un verdadero maestro, creará una obra que entusiasmará a muchas generaciones de personas, brindándoles “consuelo y apoyo”. Conoceremos obras de arte creadas en diferentes épocas e intentaremos comprender cómo influyen en nuestros contemporáneos y, por lo tanto, en usted y en mí.
Escuchando música “Ciudad Dorada”
Conversación.
– ¿Reconociste la música que sonó desde el principio? (“Ciudad Dorada” de B. Grebenshchikov, F. Canova da Milano)
(Muestra los retratos de F. Canova da Milano y B. Grebenshchikov en el tablero interactivo).
– ¿De que se trata esta canción? (sobre una ciudad ideal donde no hay maldad, violencia, donde hay mucha luz)
– ¿Cuál es el carácter de los habitantes de esta ciudad? (estas son personas amables, soñadoras y comprensivas)
– Interpretemos la canción e intentemos expresar con sinceridad la entonación de los autores.
(Interpretación de la canción “Golden City”).
– ¿Conseguiste la imagen de la canción? (intentamos transmitir la imagen de Belleza, Bondad, Ternura)
– Y si esta música nos tocó al menos un poco en el alma, entonces no fue creada en vano. Ella se convierte en “consuelo y apoyo” para nosotros.
– Por qué el músico de rock moderno Boris Grebenshchikov recurrió a la melodía del músico del finXVIsiglo Francesco da Milano? (era una especie de parentesco de almas; en diferentes épocas, los creadores de arte buscaban encontrar esa fuente de luz que ayudara a las personas a superar las dificultades en el camino de la vida)
– Probablemente, uno de los maestros que ayudó a las personas a ganar confianza en sus habilidades fue el compositor Johann Sebastian Bach.(En la pantalla hay un retrato de J. S. Bach.)
– ¿Recuerdas qué país dio Bach al mundo? (Alemania)
– Mire: Bach es completamente diferente de nuestros contemporáneos: tanto su ropa como su peinado son diferentes. El compositor vivió hace mucho tiempo, hace más de 250 años.
– Dicen que se puede entender el mundo interior de una persona por su apariencia. ¿Crees que era una persona frívola? (los estudiantes hablan del mundo interior del compositor: una mirada seria, tranquila, atenta, probablemente exigente consigo mismo y con los demás)
– El hecho de que era una persona exigente se evidencia por el hecho de que el compositor escribió sus principales obras ya en la edad adulta.
Mensaje sobre el compositor (tarea avanzada para un grupo de estudiantes)
Johann Sebastian Bach, el hijo menor de Johann Ambrosius, nació en Eisenach en 1685, el 21 de marzo. Fue músico de la corte en Weimar del duque Johann Ernst, organista de la iglesia de Mühlhausen y Weimar y director de música de cámara en la corte del Gran Duque en Anhaltkethen. En 1723 fue nombrado director del coro de música de Leipzig.
Después de escuchar fragmentos de la biografía del compositor, los estudiantes notan que su vida transcurría “sobre ruedas”;
En aquellos días, la vida de un músico era difícil; la constante búsqueda de ingresos le obligaba a buscar un nuevo lugar de trabajo. Los biógrafos también dijeron que el compositor tenía un carácter demasiado independiente y que escribía música "insuficientemente servil". Durante mucho tiempo Bach trabajó en la iglesia, acompañando el servicio. Por lo tanto, escribió mucha música para órgano, un instrumento potente y de voz fuerte, cuyo sonido rivaliza con toda una orquesta sinfónica.(Aparece una imagen de un órgano en la pantalla).
Bach, como muchas otras personas, superó los problemas de la vida uno tras otro. Su familia estaba con él. Bach llegó cansado del trabajo. Y la familia lo recibió en la mesa del salón, compartiendo sus impresiones del día anterior. Escuchemos esta conversación.
(Escuchando el Preludio de órgano en mi menor.)
– ¿Cuál fue la naturaleza de la conversación? ¿Cómo se hablaron entre ellos? ¿El diálogo fue tranquilo o nervioso? (hablaron uno con respecto al otro, nadie interrumpió a nadie; habla mesurada y tranquila)
– ¿Cómo entendiste esto? (la música sugería: ritmo tranquilo, pausado, dinámica tranquila, voces sonaban alternativamente)
– ¿De qué podría tratarse la conversación? (respuestas de los niños)
– Esta concordancia en música se llama polifonía (del griego “polifonía”).
(La definición de “polifonía” está en la pantalla).
– Mi madre, Anna Magdalena, ayudaba a mantener el hogar cálido. Murió la primera esposa de Bach y Anna Magdalena se convirtió en una auténtica madre para los niños y para el propio Bach, una amiga que le ayudó a superar las dificultades. El compositor dedicó la música a Anna Magdalena, una especie de carta de reconocimiento.
(Suena el Scherzo de la Suite n.° 2 de J. S. Bach.)
Después de escuchar, los estudiantes comparten sus impresiones, prestan atención al estado de ánimo, los medios de expresión y el instrumento solista con voz suave: la flauta.
(En la pantalla hay una imagen de una flauta).
(En la pantalla, la definición de "homofonía".)
– ¿Cómo llamarías a esta música? (mariposa, broma, nube, aleteo) ¿Por qué? (respuestas de los niños)
– El propio Bach lo llamó "Scherzo".(En la pizarra hay una nueva palabra “scherzo”.)
– Scherzo significa "broma" en italiano. En la época del compositor, los nombres musicales se daban habitualmente en italiano, ya que en Italia aparecía la música profesional.
– ¿Por qué crees que el compositor nombró así su música? (respuestas de los niños) Quizás porque quería ver a su esposa e hijos sonriendo, olvidándose por un momento de los problemas de la vida.
A continuación, los estudiantes se dividen en grupos. Cada grupo recibe hojas de papel y marcadores. Se les invita a representar la música del “Scherzo”, a sentir su pulso, el movimiento de la melodía. También en la pantalla del tablero uno o dos estudiantes muestran el pulso de la música. Después de completar la tarea, hay una discusión sobre el trabajo realizado. Cada grupo defiende su proyecto y analiza el trabajo de los alumnos en la pizarra. Luego, los chicos llegan a la conclusión de que la música se mueve continuamente, llevando consigo nuestra imaginación.
Después de esto, se pide a los estudiantes que observen los retratos femeninos y determinen cuál de las imágenes tiene la entonación más cercana a la música del Scherzo.
(En la pantalla hay retratos femeninos: campesinas (A. Venetsianov “En la cosecha”), comerciantes (B. Kustodiev “La esposa del comerciante en el té”), mujeres nobles (T. Gainsborough “La dama de azul”).)
Los niños reflexionan sobre las imágenes. "La dama de azul" tiene una sonrisa fugaz, apenas perceptible, ligera, elegante, similar en entonación a "Scherzo". Esto no es casualidad, ya que ambas obras fueron creadas aproximadamente al mismo tiempo, enXVIIIsiglo, que los contemporáneos llamaron la “Edad Galante”. Por eso el chiste es elegante, sutil, un poco escondido, inteligente.
– ¿Crees que esta música puede considerarse contemporánea para nosotros? (Es posible, porque Bach expresó sentimientos sinceros por su familia, y lo entendimos; pero hoy en día estos sentimientos se expresan más abiertamente)
– ¿Qué es lo que más te atrajo de la música de Bach? ¿Quizás ella te ayudó de alguna manera? (la música te ayuda a escuchar atentamente a tu interlocutor, a tratarte con más atención y amabilidad)
– De hecho, la música ayuda a una persona a ser amable y receptiva con las personas que la rodean.
– Recuerde que cuando los miembros de la familia Bach se reunían después de un día difícil, se sentaban alrededor de una mesa redonda, encendían velas y hablaban de sus asuntos cotidianos. ¿Con qué sentimientos? (con amabilidad, respeto, sinceridad, gentileza)
– Encendamos nuestra vela e imaginemos que se trata de un trozo de la llama del fuego que calentaba a la familia Bach.
(La vela se enciende y aparece la imagen de la llama de una vela en la pantalla).
Se interpreta la canción "Velas" (autor M. Zvezdinsky).
– Mírate, siéntete a ti mismo. ¿Ha hecho más calor? Esto significa que nuestros esfuerzos con usted no fueron en vano.
– Durante la lección, nosotros mismos sentimos cómo la música, incluso música tan antigua como la de Bach, transforma nuestras vidas a través de nosotros mismos. Si la música resuena en nuestra alma, significa que por un momento nos volvemos más amables.
– Durante la lección vimos diferentes obras de arte. A su manera, los autores abordan cuestiones que les conciernen no sólo a ellos, sino también a muchas personas. ¿Qué crees que tienen en común? (respuestas de los niños) Expresan con sinceridad y veracidad su actitud ante la vida, utilizando diferentes colores artísticos.
El gran escritor ruso Fyodor Mikhailovich Dostoievski dijo: “Las ideas cambian, pero el corazón sigue siendo el mismo”. De hecho, pasan los años, las personas nacen y mueren, pero los valores eternos permanecen: Fe, Bondad, Esperanza, Sinceridad, Amor...
Tarea: escribir una carta de reconocimiento a un ser querido (en forma de poema, postal, dibujo, manualidad, etc.).
Las obras de arte captan invariablemente (por voluntad del autor o independientemente de él) las constantes del ser, sus propiedades fundamentales. Se trata, en primer lugar, de principios universales y naturales (universales) como el caos y el espacio, el movimiento y la quietud, la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, el fuego y el agua, etc. Todo esto constituye un complejo de temas ontológicos del arte.
Además, el aspecto antropológico de los temas artísticos es invariablemente significativo e inusualmente rico. Incluye, en primer lugar, los principios espirituales reales de la existencia humana con sus antinomias (alienación e implicación, orgullo y humildad, disposición a crear o destruir, pecaminosidad y rectitud, etc.).
En segundo lugar, la esfera de los instintos asociados a las aspiraciones físicas y mentales de una persona, como la libido (esfera sexual), la sed de poder, la atracción por la riqueza material, las cosas prestigiosas, la comodidad, etc. En tercer lugar, en las personas, lo que está determinado por su género (masculinidad, feminidad) y edad (infancia, juventud, madurez, vejez).
Y finalmente, en cuarto lugar, se trata de situaciones supraépocales de la vida humana, formas históricamente estables de existencia humana (trabajo y ocio, vida cotidiana y vacaciones; principios conflictivos y armoniosos de la realidad, vida pacífica y guerras o revoluciones; vida en el propio hogar y estancia en país extranjero o viajes; actividades cívicas y vida privada, etc.). Tales situaciones constituyen el ámbito de acciones y esfuerzos, a menudo búsquedas y aventuras, las aspiraciones de una persona para lograr ciertos objetivos.
Los principios existenciales nombrados (y los restantes sin nombre), que llegan al arte, constituyen un complejo rico y multifacético de temas eternos, muchos de los cuales son "arquetípicos", que se remontan a la antigüedad ritual y mitológica (arcaica). Esta faceta de la creatividad artística es patrimonio de todos los países y épocas. Aparece como centro explícito de las obras, o está presente en ellas de forma latente, o incluso permanece inconsciente para los autores (subtexto mitopoético).
En su apelación a temas eternos, el arte resulta ser similar y cercano a la filosofía y las enseñanzas de orientación ontológica sobre la naturaleza humana (antropología). La refracción de las constantes existenciales en el arte fue objeto de una estrecha consideración por parte de los filósofos de la época romántica, así como de los científicos de las escuelas mitológicas de Grimm en Alemania, F.I. Buslaev en Rusia) y neomitológicos. (N. Fry), crítica de arte psicoanalítica, centrándose en las obras de Z. Freud y C. G. Jung.
Recientemente, han aparecido una serie de obras serias que exploran la participación del arcaísmo mitológico en la creatividad literaria de épocas cercanas a nosotros (obras de G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov). Las generalizaciones teóricas de D.E. Maksimova.
Tras señalar la enorme importancia para la literatura de todas las épocas de los universales que se remontan a lo arcaico, el científico habló al mismo tiempo de la “tradición mitopoética” en la literatura de los siglos XIX y XX. como un fenómeno local e incomprensible. Esta tradición, dice D.E. Maksimov, abarca desde la Divina Comedia de Dante y los poemas de Milton hasta el Fausto de Goethe y los misterios de Byron; se vuelve más activo después de Wagner, en particular en el simbolismo.
El científico no está de acuerdo con la idea ampliamente aceptada del mitologismo total del arte y la literatura: “No se puede aprobar la fantasía literaria desenfrenada en las interpretaciones mitológicas de las obras de arte modernas, que los científicos serios y eruditos a menudo se dejan llevar por .” Esta sentencia, en nuestra opinión, es completamente justa. En realidad, el comienzo mitológico y mitopoético y (más ampliamente) la esfera de los universales existenciales (a pesar de su importancia) están lejos de agotar lo que se conoce y domina artísticamente. Ésta es sólo una faceta del tema del arte.
V.E. Khalízev Teoría de la literatura. 1999
