Esto explica por qué solo se tomaron prestados ciertos elementos del barroco italiano, y las ideas del clasicismo siguieron siendo los principales principios formativos del arte de la era de Luis XIV. Entonces, en el diseño de las fachadas de los edificios, se conservó un estricto orden clasicista en el diseño de la pared, pero los elementos barrocos estaban presentes en los detalles del diseño de interiores, tapices y muebles.
La influencia de la ideología estatal fue tan grande que fue a partir de ese momento cuando ciertas etapas en el desarrollo del arte en Francia comenzaron a ser designadas con nombres de reyes: el estilo de Luis XIV, el estilo de Luis XV, el estilo de Luis XVI. La costumbre de tal nombre se revirtió más tarde, a la época anterior al reinado de Luis XIV. Otro la característica más importante era que estaba en la Francia de la segunda mitad siglo XVII se formó el concepto mismo de estilo artístico. Antes de eso, en Italia, las ideas del clasicismo, que recién comenzaban a tomar forma, fueron inmediatamente relegadas por el manierismo y el barroco.
El clasicismo como tendencia artística tomó forma en Francia, y desde entonces, no Roma, sino París, comenzó a dictar la moda en el arte, y su papel no se debilitó durante los siglos XVIII, XIX y XX posteriores. Por primera vez en la historia, en la Francia de la era de Luis XIV, el estilo comenzó a ser reconocido como la categoría más importante del arte, la estética se convirtió en la norma de la vida, la vida y las costumbres, penetrando todos los aspectos de la etiqueta de la corte (una palabra que también apareció en la corte de Luis XIV). Junto con la conciencia del estilo viene la estetización de los elementos formales individuales, el cultivo del gusto, "el sentido del detalle". Esta característica se ha convertido en una tradición que ha creado durante varias décadas un especial "sentido de la forma", cultura plástica, sutileza de pensamiento, inherente a la escuela francesa. Pero esta cultura no fue fácil de desarrollar. Inicialmente, el ideal renacentista de una forma holística, estática y autoequilibrada (algo destrozado por el arte del manierismo y el barroco) fue reemplazado por la idea de estetizar "encantos aleatorios" y medios individuales para lograr la belleza: línea, pintura, textura de materiales En lugar de la categoría de composición (compositio), propuesta por el arquitecto y teórico italiano L. B. Alberti, se introduce el concepto de "conexión mixta" (lat. mixtum compositura). El comienzo de tal fragmentación fue puesto por los artistas manieristas italianos que trabajaron en la corte de Francisco I y luego Enrique II en la escuela de Fontainebleau. Sus alumnos franceses, que trabajaron en los castillos condales y reales a lo largo del río. El Loira (ver "Val-de-Loire") y en el mismo París, formaron gradualmente una cultura aristocrática de la forma, que luego brilló en el estilo rococó del siglo XVIII, pero que dio sus primeros frutos en el siglo XVII. “Quizás la influencia del arte francés en la vida de los estratos superiores de la sociedad europea, incluida la sociedad rusa, fue más fuerte en el siglo XVIII, pero los cimientos de la supremacía de la lengua, las costumbres, las modas y los placeres franceses fueron indudablemente puestos por la época del Rey Sol.
No es casualidad que la segunda mitad del siglo XVII se denomine "el período más brillante de la historia de Francia". Las palabras más comunes que se repiten a menudo en las memorias y los tratados estéticos de la época son: grande, majestad, lujoso, festivo... Probablemente, el esplendor del estilo del arte de la corte realmente creó la impresión de una "eterna celebración de la vida". Según la famosa autora de memorias Madame de Sevigne, la corte de Luis XIV estuvo todo el tiempo "en un estado de placer y arte" ... El rey "siempre escucha algo de música, muy agradable. Habla con damas que están acostumbradas a este honor ... Las festividades continúan todos los días y la medianoche ". En el "brillante siglo XVII", el estilo, la etiqueta y los modales se convirtieron en una verdadera manía. De ahí la moda de los espejos y las memorias. La gente quería verse a sí misma desde fuera, convertirse en espectadora de sus propias poses. El florecimiento del arte del retrato cortesano no se hizo esperar. El lujo de las recepciones palaciegas asombró a los enviados de las cortes europeas.
En la Gran Galería del Palacio de Versalles se encendían miles de velas que se reflejaban en los espejos, y en los vestidos de las damas de la corte había “tantas joyas y oro que apenas podían caminar”. Ninguno de los estados europeos se atrevió a competir con Francia, que estaba entonces en el cenit de la gloria. El "gran estilo" apareció en el momento adecuado y en el lugar adecuado. Reflejó con precisión el contenido de la era, pero no su estado real, sino el estado de ánimo de las mentes. El rey mismo tenía poco interés en el arte, libró guerras sin gloria que agotaron las fuerzas del estado. Y la gente parecía estar tratando de no darse cuenta de esto, querían parecerse a ellos mismos en su imaginación. ¡Qué arrogancia! Al estudiar esta época, uno tiene la sensación de que sus mayores artistas fueron sastres y peluqueros. Pero la historia finalmente puso todo en su lugar, preservándonos las grandes obras de arquitectos, escultores, dibujantes y grabadores. La manía por el estilo, la "buena manera" francesa se estaba extendiendo rápidamente por Europa, superando las barreras diplomáticas y estatales. El poder del arte resultó ser más fuerte que las armas, y Berlín, Viena e incluso el rígido Londres capitularon ante él.
Principios básicos del estilo.
El "estilo Luis XIV" sentó las bases de una cultura cortesana europea internacional y proporcionó su triunfo para la exitosa difusión de las ideas del Clasicismo y el estilo artístico del Neoclasicismo en la segunda mitad del siglo XVIII - principios del XIX. en la mayoría de los países europeos. Otra característica importante de la era del "Gran Estilo" es que fue en este momento cuando finalmente tomaron forma la ideología y las formas del academicismo europeo. En 1648, por iniciativa del "primer pintor del rey" TTT Lebrun, se fundó en París la Real Academia de Pintura y Escultura. En 1666, se estableció en Roma la Academia Francesa de Pintura. En 1671, se organizó en París la Real Academia de Arquitectura. F. Blondel el Viejo fue nombrado su director, A. Felibien fue nombrado su secretario (ver "El estilo de Blondel"). El "estilo grande" requería mucho dinero. La corte real, la aristocracia cortesana, las academias y la iglesia católica lograron crear un ambiente, incluso en el radio de la capital, en el que surgieron costosas obras maestras. En primer lugar, se requería la construcción de grandiosos conjuntos arquitectónicos. Se introdujeron los cargos oficiales de "arquitecto del rey" y "primer arquitecto del rey".Todo el trabajo de construcción fue en el departamento de la Corte. En 1655-1661. el arquitecto L. Levo construyó para N. Fouquet, el "controlador real de las finanzas", el palacio de Vaux-le-Viscount. El parque de estilo regular fue diseñado por A. Le Nôtre, los interiores fueron diseñados brillantemente por Ch. Lebrun. El palacio y el parque despertaron tal envidia del rey Luis que el ministro Fouquet fue encarcelado con el primer pretexto, y se ordenó a Le Vaux y Le Nôtre que construyeran algo más grandioso en París y Versalles. En 1664-1674. La construcción de la fachada este completó el conjunto arquitectónico del Louvre, la principal residencia real de París. La fachada este se llama la "Columnata del Louvre" debido a la poderosa fila de columnas dobles del "gran orden". Columnas con capiteles corintios se elevan sobre el sótano y cubren el segundo y tercer piso, creando una imagen poderosa, austera y majestuosa. La columnata se extendía por 173 metros. La historia de esta obra maestra es interesante. Un destacado maestro del barroco romano maduro J. L. Bernini fue invitado a participar en el concurso. Presentó un proyecto barroco con fachadas caprichosamente curvas, saturadas de muchos elementos decorativos, pero los franceses prefirieron los suyos propios, domésticos, más estrictos y clásicos (Fig. 654). Su autor no era un albañil profesional, sino un médico aficionado a la arquitectura que traducía en sus ratos libres al francés tratado de Vitruvio. Fue C. Perrault". Defendió exclusivamente los antiguos, antiguos cimientos italianos de la arquitectura clásica. Junto con C. Perrault, F. de Orbe y L. Levo participaron en la construcción del Louvre, que creó el nuevo norte y sur. alas del palacio.
Durante el reinado de Luis XIV, el arquitecto y fortificador S. de Vauban se hizo famoso, construyó más de treinta nuevas ciudades fortificadas y reconstruyó muchas antiguas. L. Levo se convirtió en el autor de dos edificios destacados que tuvieron una influencia notable en el desarrollo de la arquitectura del clasicismo europeo: el Hotel Lambert (1645) y el conjunto "Colegio de las Cuatro Naciones" ("Instituto de Francia"; 1661- 1665). Junto al "College de France" en 1635-1642. el arquitecto J. Lemercier construyó la iglesia de la Sorbona con fachada barroca italiana (contiene la tumba del cardenal Richelieu, rector de la universidad). Al igual que la capilla del Colegio de Francia, la iglesia de la Sorbona está coronada con una "cúpula francesa" inusual para la época. En 1671-1676. L. Bruant erigió en la margen izquierda del Sena un complejo de edificios para Inválidos para veteranos de guerra. En 1679-1706. el arquitecto J. Ardu-en-Mansart completó este conjunto con su obra maestra: la iglesia de Les Invalides. Su cúpula con adorno dorado, "linterna" y aguja son visibles desde lejos. Las iglesias del Instituto de Francia, la Sorbona y los Inválidos eran un nuevo tipo de edificio clásico, de planta céntrica, con pórtico, frontón triangular y cúpula sobre tambor con columnas o pilastras. Esta composición, el llamado "esquema francés", es la base de muchas obras arquitectónicas posteriores del clasicismo europeo de los siglos XVIII y XIX, incluso en Rusia. En 1685-1701. Según el proyecto de J. Hardouin-Mansart, se creó la Place Louis the Great (luego Place Vendôme) en el centro de París. De planta rectangular, con esquinas recortadas, fue concebida como un conjunto ceremonial en honor al Rey Sol. En el centro había una estatua ecuestre de Luis XIV de F. Girardon (1683-1699); destruido durante la revolución de 1789. Las fachadas de los edificios que enmarcan la plaza tienen pórticos del mismo tipo, lo que le da integridad y plenitud a la composición. Otra plaza en honor al rey, también diseñada por J. Hardouin-Mansart, es la "Place des Victoires" (Place des Victoires) creada en 1685. Fue decorada con una estatua ecuestre de Luis XIV del escultor holandés M. fan Len Bogart (apodado Desjardins); destruido durante la revolución de 1792 (restaurado por M. Bosio en 1822; ver cavallo).
En 1672, según el proyecto del director de la Real Academia de Arquitectura, F. Blondel el Viejo, se erigió el Arco de Saint-Denis en honor a las victorias de las armas francesas: el cruce del ejército del rey Luis a través del Rin. Blondell replanteó la forma del Arco de Triunfo romano y creó un nuevo tipo de edificio "Grand Style". Los bajorrelieves del arco según los bocetos de Ch. Lebrun fueron realizados por los escultores hermanos Angie. A partir de 1676, Blondel desarrolló un nuevo plan maestro para París, que preveía la creación de grandes conjuntos y perspectivas arquitectónicas. F. Blondel fue un destacado teórico, en su "Curso de Arquitectura" (1675) argumentó que los cimientos del estilo clásico yacen no "en la imitación de Roma", sino en el pensamiento racional y el cálculo preciso de las proporciones. El creador de la Columnata del Louvre C. Perrault discutió con él. En 1691, Sh.-A publicó otro tratado teórico con el mismo título: "El Curso de Arquitectura". de Aviler. En 1682, Luis XIV abandonó París y la corte se mudó a una residencia suburbana: Versalles.
En este gesto, ven el deseo del rey de crear una nueva capital brillante, asociada completamente solo con su nombre. Entre los escultores del "Gran Estilo" destacan F. Girardon, A. Coisevo, N. Kustu (cuyo hermano menor es conocido por los grupos de "Caballos de Marly"), P. Puget, J. Sarazen, J.-B . Tubi. Durante el reinado de Luis XIV trabajaron dos destacados pintores: K. Lorrain y N. Poussin. Trabajaron en Italia y en sus aspiraciones estaban lejos del pomposo "Grand Style".
La comprensión del término "glamour" en nuestro tiempo está muy distorsionada gracias a los artistas de música pop y algunos representantes de la "juventud dorada". De hecho, el estilo glamoroso, al menos en el interior, es sofisticación, ligereza, lujo, cuidadosa atención al detalle. Hay varias opciones para un interior glamoroso, cada una de las cuales tiene sus propias características distintivas. Uno de los más famosos e interesantes es el estilo de Luis XIV, también conocido como el Rey Sol.
Decorar con un estilo glamoroso es muy costoso y debes estar preparado para esto. Además, tenga en cuenta que para habitaciones estrechas o habitaciones con techos bajos esta opción no es adecuada. Si no quiere arriesgarse a intentar decorar el interior usted mismo, intente buscar la ayuda de un diseñador profesional. En este caso, usted tiene que gastar mas dinero, sin embargo, el resultado será mejor. En primer lugar, elija un esquema de color. Para un interior al estilo de Luis XIV, tanto los colores cálidos como los fríos son adecuados, pero en cualquier caso, los tonos deben ser suaves y sobrios. Hay tres opciones principales para elegir: beige dorado, gris plata y blanco y negro. A continuación, debe elegir Materiales de decoración. Como recubrimiento de piso se deben utilizar baldosas de mármol o parquet de alta calidad. La primera opción es adecuada para interiores monocromáticos y "fríos", la segunda, para diseño en colores cálidos.
Las paredes deben estar decoradas con papel tapiz de tela de lujo, yeso decorativo o paneles de madera, pero la última opción es la menos preferida. Tenga en cuenta: tanto las ventanas como las puertas deben pintarse para que coincidan con las paredes. Ahora ve a la elección de los muebles. Este es el paso más difícil y más costoso. Las mesas, las sillas deben estar hechas de madera maciza y decoradas con dorados o tallados. Muebles tapizados debe tapizarse con materiales costosos: por ejemplo, terciopelo o brocado. Además, suele estar decorado con volantes, flecos y otros elementos decorativos. Son ideales los productos con patas dobladas, muebles complementados con piezas forjadas, etc.. Al mismo tiempo, no debe abarrotar la habitación: elija primero los elementos más necesarios y, si hay suficiente espacio libre, agregue muebles adicionales. Ahora en tiendas especializadas puedes encontrar toda una serie de artículos glamurosos de moda, para que ni siquiera tengas que elegir las combinaciones adecuadas.
Las lámparas sin duda deben ser antiguas lujosas y estilizadas. Lo más destacado del interior puede ser un gran candelabro con velas. También necesitarás decoraciones. Para un interior glamoroso al estilo de Luis XIV, son adecuadas alfombras caras con una pila larga, cortinas gruesas con borlas y lambrequines, cojines decorativos, espejos y cuadros en marcos macizos, tapices, candelabros. Tenga en cuenta: no debe haber demasiados accesorios, de lo contrario, convertirá su casa en un museo y no será demasiado cómodo.
El interior al estilo de Luis XIV surgió durante su reinado 1643-1715. Para imaginar mejor este estilo, debes sumergirte en la historia de esa época. Sin embargo, la historia no es capaz de describir el estado emocional de la sociedad en 1643, por lo que es mejor acudir a ficción, donde el autor, como un sutil psicólogo, mostrará los rincones más discretos del alma de Luis XIV y de las personas que le rodean. Por supuesto, puede surgir la pregunta de cómo el estilo del interior se relaciona con el estado emocional. Pero todo es simple, el interior refleja el carácter de una persona.
El autor más hábil que pinta majestuosamente un cuadro de la vida de Luis XIV es Alexandre Dumas en su novela Vizconde de Bragelon, o Diez años después, la tercera parte de la trilogía de la novela sobre los tres mosqueteros y D'Artagnan. Describe el comienzo del reinado de Luis XIV. El rey de 25 años es guapo, amoroso, enérgico. Como cualquier gobernante, ama sinceramente los cumplidos, en algunos casos incluso la adulación, ama el entorno de las personas elocuentes que pueden pintar en su imaginación una imagen real con los detalles más pequeños con la ayuda de las palabras. La sociedad insistió en que Luis XIV es como el sol de toda Francia. Artistas, escultores, decoradores, viendo en su rey, por un lado, un gobernante poderoso, y por otro, un joven enamorado, transmiten su carácter a través de obras de arte, así como la decoración de su hogar. Entonces, el artista Charles Lebrun introduce mármol con colores variados en la decoración, combinado con bronce dorado, relieves, pintura de techo. La decoración principal del local eran marcos pesados, estuco en las paredes, que todavía se pueden ver en el Palacio de Versalles, incluso en el Salón de la Guerra y la Paz.
El "gran estilo", como también se llama el estilo de Luis XIV, se basa en dónde están presentes los elementos. Esto se debe al hecho de que el rey se compara con Julio César y Alejandro Magno. Además, "Gran estilo" incluye elementos. En primer lugar, estas son las pinturas de Jean Leport, que decoraban las paredes de las casas. Por lo general, las pinturas estaban escritas en crecimiento humano.
Los muebles del palacio contenían muchas tallas cubiertas con dorado. Los artículos estaban hechos de madera de colores, que estaba decorada con varios materiales preciosos. Más tarde, el árbol comenzó a ser reemplazado por bronce dorado, plata, latón y estaño. Las patas de sillas y sillones tenían una sofisticada forma de S. Los elementos del mobiliario se revistieron con ricas telas con patrones orgánicos. Los muebles de gabinete también aparecen en forma de consolas de pared, cómodas con patas curvas.
El interior estaba decorado con tapices, alfombras, telas de seda que cubrían paredes y techos y diversos artículos de plata.
Bajo Luis XIV, aparecieron por primera vez. Estos eran grandes luces de techo que ardía con velas. En sus rayos, el cristal brilló con todos los colores del arco iris. La vista fue impresionante.
Un interior tan rico y lujoso existió hasta finales del siglo XVII, y más tarde, debido al deterioro económico del país, el interior comenzó a adquirir más rasgos de clasicismo.
gran estilo- (Francés "Grand maniere", Le style Louis Quatorze) - Estilo de Arte uno de los períodos más brillantes de la historia de Francia, la "edad de oro" del arte francés del segundo la mitad del XVII siglos. Asociado a los años del reinado del rey Luis XIV (1643-1715), de ahí el nombre. Con su estructura figurativa, el “Gran Estilo” expresó las ideas del triunfo del poder real fuerte y absoluto, la unidad nacional, la riqueza y la prosperidad, de ahí su epíteto el gran.
Se suponía que los nuevos ideales del absolutismo reflejaban el "Gran Estilo". solo podian ser Clasicismo asociado con la grandeza de los antiguos griegos y romanos: el rey francés fue comparado con Julio César y Alejandro Magno. Pero el Clasicismo estricto y racional no parecía lo bastante pomposo para expresar el triunfo de la monarquía absoluta. En Italia en ese momento dominaba el estilo Barroco. Por lo tanto, es natural que los artistas de Francia recurrieran a las formas del barroco italiano moderno.
Pero en Francia, el barroco no pudo crecer con tanta fuerza como en Italia a partir de la arquitectura del clasicismo. Desde la era Renacimiento francés siglo 16 en este país se establecieron los ideales del clasicismo, cuya influencia en el desarrollo del arte no se debilitó hasta finales del siglo XIX. Esta es la característica principal del "estilo francés". Además, las formas clásicas se arraigaron sobre una base fuera de Italia, sobre la base de fuertes tradiciones nacionales de arte románico y gótico. Esto explica por qué sólo elementos individuales, y las ideas del clasicismo siguieron siendo los principales principios formativos del arte de la era de Luis XIV. Entonces, en el diseño de las fachadas de los edificios, se conservó un estricto orden clasicista en el diseño de la pared, pero los elementos barrocos estaban presentes en los detalles del diseño de interiores, tapices y muebles.
El clasicismo como tendencia artística tomó forma en Francia, y desde entonces, no Roma, sino París, comenzó a dictar la moda en el arte, y su papel no se debilitó durante los siglos XVIII, XIX y XX posteriores. Por primera vez en la historia, en la Francia de la era de Luis XIV, el estilo comenzó a ser reconocido como la categoría más importante del arte, la estética se convirtió en la norma de la vida, la vida y las costumbres, penetrando todos los aspectos de la etiqueta de la corte (una palabra que también apareció en la corte de Luis XIV).
Junto con la conciencia del estilo viene la estetización de los elementos formales individuales, el cultivo del gusto, el "sentido del detalle". Esta característica se ha convertido en una tradición que ha creado a lo largo de varias décadas un especial “sentido de la forma”, una cultura plástica, una sutileza de pensamiento inherente a la escuela francesa. Las palabras más comunes, repetidas a menudo en las memorias y los tratados estéticos de la época: grande, grandeza, lujoso, festivo... Según la célebre autora de memorias Madame de Sevigne, la corte de Luis XIV estuvo todo el tiempo "en un estado de placer". Y arte"...
El rey “siempre escucha algo de música, muy agradable. Habla con damas que están acostumbradas a este honor... Los festejos continúan todos los días y media noche.
En el "brillante siglo XVII", el estilo, la etiqueta y los modales se convirtieron en una verdadera manía. De ahí la moda de los espejos y las memorias. La gente quería verse a sí misma desde fuera, convertirse en espectadora de sus propias poses. El florecimiento del arte del retrato cortesano no se hizo esperar. El lujo de las recepciones palaciegas asombró a los enviados de las cortes europeas. En la Gran Galería del Palacio de Versalles se encendían miles de velas que se reflejaban en los espejos, y los vestidos de las damas de la corte eran "tantas joyas y oro que apenas podían caminar".
Ninguno de los estados europeos se atrevió a competir con Francia, que estaba entonces en el cenit de la gloria. El "gran estilo" apareció en el momento adecuado y en el lugar adecuado. La manía por el estilo, la "buena manera" francesa se estaba extendiendo rápidamente por Europa, superando las barreras diplomáticas y estatales.
"Estilo Luis XIV" sentó las bases de una cultura cortesana internacional europea y aseguró con su triunfo la exitosa difusión de las ideas Clasicismo y estilo de arte neoclásico en la segunda mitad del siglo XVIII - principios del XIX. en la mayoría de los países europeos.
Otra característica importante de la era del "Gran Estilo" es que fue en este momento cuando finalmente tomaron forma la ideología y las formas del academicismo europeo. La corte real, la aristocracia cortesana, las academias y la iglesia católica lograron crear un ambiente, incluso en el radio de la capital, en el que surgieron costosas obras maestras. En primer lugar, se requería la construcción de grandiosos conjuntos arquitectónicos. Se introdujeron los cargos oficiales de "arquitecto del rey" y "primer arquitecto del rey".
Todo el trabajo de construcción fue en el departamento de la Corte. En 1655-1661. arquitecto l levo construido para N. Fouquet, "contralor real de finanzas", palacio de Vaux-le-Vicomte.
Parque de estilo regular lanzado A. Leotre, interiores decorados con brillo C. Lebrún.
El palacio y el parque despertaron tal envidia del rey Luis que el ministro Fouquet fue encarcelado con el primer pretexto, y se ordenó a Le Vaux y Le Nôtre que construyeran algo más grandioso en París y Versalles. En 1664-1674. la construcción de la fachada este completó el conjunto arquitectónico del Louvre - el principal residencia real en París. La fachada este se llama la "Columnata del Louvre" debido a la poderosa fila de columnas dobles del "gran orden". Columnas con capiteles corintios se elevan sobre el sótano y cubren el segundo y tercer piso, creando una imagen poderosa, austera y majestuosa.
La columnata se extendía por 173 metros. La historia de esta obra maestra es interesante. Un destacado maestro del barroco romano maduro J. L. Bernini fue invitado a participar en el concurso. Presentó un proyecto barroco con fachadas pretenciosamente curvas, saturadas de muchos elementos decorativos, pero los franceses prefirieron los suyos propios, domésticos, más estrictos y clásicos. Su autor no era un albañil profesional, sino un médico aficionado a la arquitectura que traducía el tratado de Vitruvio al francés a sus anchas. Era K. Perrot. Defendió exclusivamente los antiguos, antiguos fundamentos italianos de la arquitectura clásica. Junto con C. Perrault, F. de Orbe y L. Levo participaron en la construcción del Louvre, quienes crearon las nuevas alas norte y sur del palacio. Durante el reinado de Luis XIV, el arquitecto y fortificador S. de Vauban se hizo famoso, construyó más de treinta nuevas ciudades fortificadas y reconstruyó muchas antiguas. L. Levo se convirtió en el autor de dos edificios destacados que tuvieron un impacto significativo en el desarrollo de la arquitectura del clasicismo europeo: Hotel Lamberto(1645) y conjunto "Colegio de las Cuatro Naciones" (« Instituto de Francia»; 1661-1665).
Junto al "College de France" en 1635-1642. el arquitecto J. Lemercier construyó la iglesia de la Sorbona con fachada barroca italiana (contiene la tumba del cardenal Richelieu, rector de la universidad). Al igual que la capilla del Colegio de Francia, la iglesia de la Sorbona está coronada con una "cúpula francesa" inusual para la época. En 1671-1676. L. Bruant erigió en la margen izquierda del Sena un complejo de edificios para Inválidos para veteranos de guerra.
En 1679-1706. arquitecto J. Hardouin Mansart complementó este conjunto con su obra maestra - Iglesia de los Inválidos. Su cúpula con adorno dorado, "linterna" y aguja son visibles desde lejos. Las iglesias del Instituto de Francia, la Sorbona y los Inválidos eran un nuevo tipo de edificio clásico, de planta céntrica, con pórtico, frontón triangular y cúpula sobre tambor con columnas o pilastras. Esta composición, el llamado "esquema francés", es la base de muchas obras arquitectónicas posteriores del clasicismo europeo de los siglos XVIII y XIX, incluso en Rusia. En 1685-1701. diseñado por J. Hardouin-Mansart en el centro de París, un Lugar Luis el Grande(más tarde - Plaza Vendôme).
De planta rectangular, con esquinas recortadas, fue concebida como un conjunto ceremonial en honor al Rey Sol. En el centro había una estatua ecuestre de Luis XIV de F. Girardon (1683-1699); destruido durante la revolución de 1789. Las fachadas de los edificios que enmarcan la plaza tienen pórticos del mismo tipo, lo que le da integridad y plenitud a la composición. Otra plaza en honor al rey, también diseñada por J. Hardouin-Mansart, - “ Plaza de la victoria» (Place des Victoires) se estableció en 1685.
ella estaba adornada estatua ecuestre de Luis XIV obra de un escultor holandés M. fan Len Bogart(apodado Desjardins); destruido durante la revolución de 1792 (restaurado por M. Bosio en 1822; ver cavallo). En 1672, según proyecto del director de la Real Academia de Arquitectura F. Blondel el Viejo, Arco de San Dionisio en honor a las victorias de las armas francesas: el paso del ejército del rey Luis a través del Rin.
Blondel replanteó la forma del Arco de Triunfo romano y creó un nuevo tipo de edificio "Grand Style". Los bajorrelieves del arco según los bocetos de Ch. Lebrun fueron realizados por los escultores hermanos Angie. A partir de 1676, Blondel desarrolló un nuevo plan maestro para París, que preveía la creación de grandes conjuntos y perspectivas arquitectónicas. F. Blondel fue un destacado teórico, en su "Curso de Arquitectura" (1675) argumentó que los cimientos del estilo clásico yacen no "en la imitación de Roma", sino en el pensamiento racional y el cálculo preciso de las proporciones. El creador de la "Columnata del Louvre" K. Perrault discutió con él. En 1691, Sh.-A publicó otro tratado teórico con el mismo título: "El Curso de Arquitectura". de Aviler. En 1682, Luis XIV abandonó París y la corte se mudó a una residencia suburbana: Versalles.
En este gesto, ven el deseo del rey de crear una nueva capital brillante, asociada completamente solo con su nombre. Entre los escultores del "Gran Estilo" destacan F. Girardon, A. Coisevo, N. Coust (cuyo hermano menor es conocido por los grupos de "caballos Marley"), P. Puget, J. Sarazin, J.-B . Tubi.
A finales del siglo XVII. El "gran estilo" claramente ha agotado sus posibilidades, la "edad de oro" del arte francés estaba terminando para dar paso al arte de cámara y un poco cansado del estilo Regencia. principios del XVIII siglos. Pero desde el siglo XVII en Europa se inicia la difusión de las ideas del Clasicismo. Estas ideas pudieron tomar forma en un estilo artístico internacional solo a partir de mediados del siglo XVIII.
Para Francia, tras el arte clásico del Renacimiento del siglo XVI. y el “Gran Estilo” del siglo XVII, ya era la tercera ola del Clasicismo, por lo que el estilo artístico del arte francés de la segunda mitad del siglo XVIII se denomina Neoclasicismo, mientras que en relación con otros países europeos es simplemente Clasicismo.
En la segunda mitad del siglo XVII, Francia se convirtió en la primera potencia europea. Tenía que alcanzar urgentemente y superar a Italia, incluso en términos de gustos y moda.
En esta ocasión, bajo Luis XIV (1643-1715), incluso se instituyó un departamento especial, encargado de todo tipo de arte, encabezado por el pintor Charles Lebrun. Y entonces comenzó...
En los interiores de los palacios de ese período reinaba todo un gran esplendor. Se suponía que el estilo recién inventado glorificaba el poder del monarca. La tarea se resolvió simplemente: más masividad, tallado y dorado. El adorno es estrictamente simétrico. Hojas de acanto, frutos, conchas, mascarillas y cabezas de favs. nuevo combinado en él con símbolos militares. Los motivos inspirados en la antigua Roma (cascos y escudos) se complementaron con signos del “rey-sol”: un rostro radiante o dos letras L entrelazadas. Los artesanos incrustaron generosamente los muebles con ébano, cobre, estaño, carey y nácar. perla. Las obras más famosas en esta técnica fueron creadas por el ebanista André-Charles Boulle, razón por la cual el estilo a veces se llama simplemente "Boulle". Un detalle digno de mención: las patas de las sillas y los taburetes están conectados por travesaños transversales que forman la letra H o, más tarde, X. Los respaldos de las sillas son decorosamente altos y los asientos bajos están decorados con flecos. En el mismo período, se extendió muebles cómodos Con cajones. Se trata de una cómoda que suprimió las cómodas, así como un buró. Otro invento de la época es la mesa-consola auxiliar. La parte superior de las consolas suele estar hecha de mármol o con incrustaciones de mosaicos florentinos, sostenidos por figuras alegóricas. (Estas consolas se pueden encontrar en los vestíbulos de muchos hoteles de lujo, así como en las casas donde se acostumbra realizar recepciones). Aparece un sofá, que parece varios sillones juntos. Sin embargo, hacia el final del período, los interiores pierden su pomposidad y adquieren gracia, presagiando los estilos posteriores de la Regencia y Luis XV.
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| La cómoda parece estar realizada íntegramente en marquetería, bronce y dorado. Salón de antigüedades Segoura, París |
Escritorio de la galería de antigüedades Kraemer, París |
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Consola, siglo XVII. De la colección del salón de antigüedades Perrin, París |
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El barroco es el más radical de los estilos opuestos al minimalismo. Este aceite es aceite. Cuando y marquetería, y forro de bronce, y dorado, y mármol, y escultura. El tamaño del armario es increíble. El volumen de trabajo es asombroso. Pero lo que más llama la atención es la musculatura de los atlantes y la expresividad de sus posturas. Como si estuvieran a punto de romperse. Segunda mitad del siglo XVII, Francia |
Un rasgo característico del estilo: la marquetería decora la superficie de los muebles tan ricamente que se parece a la pintura. Los motivos son muy diversos: desde florales y florales hasta militares, grecorromanos. Aparentemente, las enormes patas cuadrangulares del gabinete no le parecieron lo suficientemente elegantes al maestro, por lo que las sustituyó por un par de patas cortesanas hechas de bronce dorado en el frente.
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Los muebles están cubiertos con terciopelo (principalmente de color rojo oscuro "real"), tapicería y seda. Los patrones prefieren los florales, los colores son contrastantes y brillantes. Las telas de copia están hechas por Prelle |
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| Cajonera con marquetería estampada, tallas esculpidas y herrajes de metal bañado en oro. Producido por SMT |
Ataúd, plata, plateado. París, 1704-1712. De la colección de De Leye, Bruselas |
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| En los primeros años del reinado de Luis XIV, los nobles se sentaban en sillones que recordaban la era del rey predecesor, pero en el nuevo contexto interior parecían frescos.Sillón de abajo, hecho por Angelo Cappellini | Consola (con tapa de mármol) estilo Luis XIV. Excluir. una cosa de belleza. Una copia exacta del palacio, realizada por Provasi |
